인상파의 아버지 마네의 작품과 정물의 조화

 이번 호에서는 마네의 말년을 장식하는 가장 유명한 작품인 “폴리베르제르의 술집(1882)”에 앞 정물들을 배치해서 그려 보았다.  명화와 정물을 조합해서 “명화 다시 그리기”의 형식으로 연재를 하기 시작한지도 4달째에 접어들었다.  한 달에 한번쯤은 거장들의 작품을 분석하고 연구하며 현대의 정물들을 그들 거장의 시각으로 해석해 보는 것도 정말 좋은 공부라 할 수 있겠다.  더불어 작가의 삶과 함께 예술철학과 시각, 그 당대의 역사와 환경도 함께 알아볼 수 있으니, 수채화를 공부해 나가는 입장으로서는 일석이조의 테마가 될 수 있다.  선선한 가을바람이 불어 그림 그리기에도 최적의 환경이 돌아왔고 계절에 거스름 없이 익어가는 들녘과 착한 열매들처럼, 노력함에 게으름 없는 여러분들에게도 좋은 결과물이 있기를 바란다.

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  인물과 앞 정물을 제외하고는 그다지 세밀하게 묘사하지 않아도 되는 그림이기에 4B연필을 날카롭게 깎아, 연필을 약간 눕힌 상태에서 밝음과 어두움의 위치구분만 해 놓는다는 개념으로 스케치했다.   스케치선이 결국 채색과정에서 모두 묻힐 그림이므로 빠른 속도로 그리되, 인물만큼은 정확한 비례로 자세하게 그려야 한다.

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  터치를 겹쳐가며 맑기를 유도하는 학생형+입시형 그림이 아니기에, 굳이 초벌을 하지 않아도 된다고 생각한다.  자료를 위한 그림그리기가 아니었다면 필자도 직접 제 색을 얹어나갔을 것이다.  다만, 채색에 들어갈 때의 두려움이나 머뭇거림을 없애고 싶다면 사진에서처럼 간략한 초벌을 하는 것을 권한다. 

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  원화를 잘 살펴보면 샹들리에와 함께 배경의 작은 인물들이 실은 거울에 비친 인물군임을 알 수 있다.  우울한 표정의 여종업원과 상반된 배경의 화려함이(규모가 큰 술집임을 알 수 있다) 대조를 이루는 이 부분은, 인디고에 반다이크 브라운을 약간 섞어서 명암처리 하는 정도로만 채색해 놓았다.

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  붓터치에 크게 신경 쓰지 않아도 되는 그림인 반면 색상의 무게를 맞추는 일에 더욱 신경을 써야 한다.  큰 술집이 여급의 뒤에 있는 거울에 비친 부분이므로 선명도도 약하고, 아마도 담배연기나 평평하지 않았을 거울의 반사면의 얼룩으로 보이는 부분들이 자주 보인다.  울트라마린 딥에 오페라를 섞고 물을 많이 혼합하여 색상을 가볍게 만들어 칠 해 놓았다. 

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  마네는 호평만큼이나 악평도 많았던 작가로 유명하다.  당대의 실존인물들을 작품에 그대로 옮겨 그려 당혹감을 주기도 하였고, 명암이 조용히 옮겨갈 뿐만 아니라 강한 색채가 등장하더라도 반드시 중간색이나 회색의 매개에 의해 연결하던 당대의 일반적인 화법과는 달리 선명하게 색상이 대비되거나 평면적으로 칠해서 관객들에게 이질감이 느껴지고 생뚱맞게 보였기 때문이다.  이 부분처럼 거칠게 남아 있는 붓자욱 역시 비방의 원인이었다.

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  인상파의 아버지라는 칭호를 받는 마네지만 그는 인상파 화가들과는 몇 가지 차이점이 있다.  그 중 기억해야 할 점은 색채로서의 검정색을 중요시 했으며 이를 매혹적으로 사용한 화가라는 점이다. 즉, 같은 검정이라도 밝고 품위 있는 검정, 분위기 있는 검정 등으로 구분해서 사용했으며 아주 적은 변화 외에는 검정은 검정색으로 펼쳐 칠해 놓는 솔직하고 강한 주장이 있는 화가였다.

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  굳이 초벌이라고 구분하자면 이 정도의 과정이 될 것이다.   여종업원의 짙은 색 옷은 인디고에 반다이크 브라운을 약간 섞어서 듬뿍 만들어 놓은 후에 펼쳐 칠해 놓았다.  완전히 마른 후에는 두 번 세 번 같은 색을 반복해서 칠해서, 터치 보다는 색상으로 먼저 느껴지기를 원했던 마네의 생각을 따라 갈 것이다.

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  인상파 화가로 분류되는 마네이지만 실제로 인상파전에는 한번도 참여하지 않았던 것은 역설적이다.  사진에서 보이는 부분처럼 거친 필치들을 보면 분명히 인상파처럼 섬세하지도 않고, 빛에 의한 색의 과정을 찬찬히 넘어가 주지도 않는 불친절함(?)까지 엿보이는 것이 마네 그림의 특징이다.  필자 역시 따라 그리는 과정에서 점점 흥미가 붙어가던 기억이 난다.

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  유화작품을 수채화로 옮겨 그려 보는 것이 점차로 흥미로워지고 있는 중이다.  수채화가 가진 특성, 즉 맑음과 탁함을 표현하는데 자유로우면서도 유화에 비해서 간편하고 빠르다는 장점이 어깨를 으쓱하게 만들었다.  이러한 인물도 유화로 따라 그리는 경우라면 마르기 기다리느라고 속이 답답했을 텐데 수채화로는 색상의 무게만 맞추어 나가면 금방 해결이 된다.

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  마네의 생존당시 저널리즘에 나온 혹평은 다음과 같다.  “...음영도 양감도 없고 이처럼 강한 색채를 평평하게 늘어놓다니 회화에 대해 무식해서 그랬거나 그렇잖으면 사람들을 모욕하기 위해서 그랬을 것이다.”   정말 가혹한 악평이지만 사진에서처럼 평평한 얼굴표현을 보면 당시에는 그리 말했을 비평가의 시각도 이해가 가는 부분이 있다.  하지만 이러한 표현에는 화면에서 어떻게 하면 3차원적인 깊이를 표현할 수 있을까에 대해 서구 회화가 지향해 온 전통이 얼마나 강했는지를 알 수 있고, 그것을 부정한 마네의 힘겨운 싸움도 익히 짐작이 될 수 있을 것이다.

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  여종업원의 옷을 검정에 가까운 인디고 계열로 짙게 완성해 놓았다.  간신히 외곽부분에만 블루를 살짝 얹어 놓은 마네의 재치이기도 한 솔직한 표현을 이해할 수 있는 듯하다.  평면에 그리는 그림을 입체로 보이게 하기위한 화가들의 노력과의 단절이 무엇보다 마네의 미술사적 위치를 대변해 주는 것이며, 여기에서부터 비로소 근대에로의 문이 열리고 있다는 미술사를 기억하며 복숭아에서도 습관적인 반사광 처리를 아껴야 했다.

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  그렇다면 마네야말로 사실주의를 표방한 작가였다는 생각이 든다.  마네라면 장미를 채색할 때에도 명암의 단계를 복잡하게 구분하며 넘기려 애쓰지 않고, 밝음은 그대로 두고 어두운 부분에만 강하게 필치를 얹었을 것이고, 빵은 빵대로 빵이 가진 갈색계열 색상 외에는 쓰지 않았다는 사실도 좋은 공부가 되고 있다.  장미를 칠한 후에는 세밀하게 스케치 했던 밝음 부분의 연필선은 다 지워 버렸다.

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  생각이 여기에 닿자 괜히 초벌칠을 했구나 하는 엷은 후회가 들었지만, 1800년대에 결코 평탄하지만은 못했던 마네가 만년에야 찾아온 영광과 찬사에 이르기까지의 “마네 역사”에 대한 공부로 미루어 보면, 앞 정물은 빛 부분은 남기고 어둠은 강하게 잡으면 가능하리라는 낙관적인 생각이 들고 있으니, 대가를 공부해 가는 여정이 결코 헛된 공부가 아님에는 틀림이 없다.

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  터치가 울컥거리며 남게 되더라도 색상 선택이 솔직하게 이루어지면 뒷면의 마네 그림과의 괴리감이 적어지게 될 것이다.  붓을 세우거나 내리긋는 등의 터치법에 좌우되지 않고 사물이 전달해 주는 정도의 색상만을 찾아서 정물 자체의 솔직한 표현에 집중하기로 하였다.  일반 정물화였다면 아마도 빛이 닿고 어둠으로 넘어가는 포인트 부분에 엄청난 밀도와 화려한 색 올리기를 하였겠지만 마네의 손이었다면 과연 그랬을까!

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  입시를 위한 학생작 기준에서라면 식빵의 표현에서도 분명 다른 점을 느낄 수 있을 것이다.  식빵의 외곽부분 즉, 여종업원의 짙은색 옷과 닿는 부분이나 바구니의 손잡이와 식빵이 닿는 부분에 화사하게 넣어주었던 반사색 처리를 절제하고 식빵 제 색상으로만 칠 해 보았다.   인상파 화가들이 추구했던 과학적 성찰과는 달랐던 마네의 시각이 흥미롭다.

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  거친 듯한 유화의 붓자욱과 비슷한 효과를 낼 수 있도록 하기 위해서, 혼합재로로 그릴 때 쓰던 일명 막붓(기름진 매체나 마스킹 액을 쓸 때 썼던 붓이다)으로 바꿔 칠하니 훨씬 나아지는 느낌이다.  색상의 혼합도 파렛트에서 완전히 섞던 방법에서 벗어나 직접 물감을 찍어 화지에 바르듯이 칠했다.

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  부비기도 하고 색상을 그대로 얹어 놓기도 하면서, 당대에 비난을 많이 받기는 했으나 작업표현 방법에서 스스로의 기질과 의지가 강건했던 마네처럼 칠하는 과정에서 가장 재미있었던 부분이다.  평범한 캔트지에도 가능한 수채화가 가진 풍부한 색상과 다양한 표현방법을 적극 활용하면서 느낀 생각은, 재료를 아끼지 않고 쓰는 것도 좋은 습관중의 하나가 될 수 있다는 것이었다.

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  이정도 과정에서 전체를 한 눈으로 보는 것이 필요하다.  실제 원화는 가로길이가 있는 작품으로 거울에 비친 우울한 표정의 여종업원의 뒷모습과 그녀 앞에 마주 서 있는 수염있는 당대의 신사도 그려져 있어 이 세 인물의 배치가 교묘하게 연출되어 있음을 찾을 수 있다.  이 그림은 마네의 말년을 장식하는 가장 유명한 작품으로 이 그림의 성공을 마지막으로 보고 난 후 마네는 병든 육신을 마감한다.

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  세잔느라면 인물도 원과 원기둥의 조합으로 보았을 것이고, 모네였다면 빛에 따라 색상이 변화하는 찰나들로 인물을 표현했을 것이나, 마네는 인물의 살색을 인물이 가진 색상 그대로 표현하고자 했다고 한다.  당시 인상주의 그림에 열광하던 사람들이 그에 익숙해져 있었던 눈으로 마네의 작품을 보았으니 그 지나치게 단순하고 생생한 살색을 보고 당혹스러워 했음은 말할 나위도 없다.

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  하지만 마네가 인상파와 맥을 같이 하면서도 표현이 다른점은 모네와는 달리 고유색을 희생해서까지 프리즘적인 빛의 물결에 자신을 몰입시키지는 않았다는 점이다.  즉 외광을 적극적으로 받아들이고 있었던 인상파 화가들과는 방법적인 거리감이 다른 점이라는 것이다.  여급의 옷에 있는 장식물에서도 솔직하게 보이는 부분만을 표현한 마네의 시각을 엿볼 수 있다.

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  바구니 손잡이의 채색에서도 반사면에 주조색의 보색인 보라 계열색을 쓰지 않고, 직접 갈색으로 색상을 칠했다.  칠하는 붓의 모양새를 살펴보면 붓 몸 전체로 종이를 강하게 내리누르며 색상을 올리고 있음을 볼 수 있을 것이다.  때때로 일상에서 벗어나는 여행이 사람을 충전시켜 주듯이, 일반적인 채색 방법에서 벗어나 마네와 함께 하는 것도 그러한 느낌을 준다.

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 “ 마네는 무척 성실하고 단순하며 분별있는 사람이 되려고 애쓰는 사람이지만, 불행하게도 천성이 낭만주의의 껍질을 달고 있다.” 마네의 친구이자 대시인 보들레르가 마네의 일면을 평한 말이다.  주제와 방법의 혁신을 꾀한 최초의 혁명자라고 할 수 있는 마네이지만 어떠한 글도, 그림에 대한 언급도 하지 않았던 화가였으며, 천성적으로 부르조아적인 습성을 가져 지나치게 명예에 집착한다는 비난도 함께 받았었다니 알면 알수록 재미있는 일이다.

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  앞의 사진에서 바구니를 채색할 때 바구니가 가진 고유의 색을 고집해서 칠해졌듯이, 복숭아는 복숭아라는 과일이 전달해 주는 색상에 충실하고자 노력했다.  터치나 물방울이 남아도 될 것이고, 밝은 부분은 붓으로 닦아서 복숭아다운 부드러움을 표현하면 되기에 심리적으로 평화롭다고나 할까, 마음이 부드러워지는 방법이라고 느껴진다.

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  아마도 마네가 유화로 표현했더라면 더욱 강렬한 색상으로 식빵이 채색되었으리라 짐작된다.  적어도 마네가 표현하고자 하는 채색의 방법적인 부분은 공부가 되었기에 여러분도 이정도 과정에 이르러서는 색상 선택과 필체가 많이 자유로워졌으리라 생각한다.  마네는 풍경화, 인물화, 정물화 등 모든 부분에서 자신의 방법을 구축해가며 많은 양의 그림을 그렸던 화가이다.   인터넷이나 화집을 통해서 꼼꼼히 살펴보기를 권한다.

25   Susanna's Comment

  에두아르 마네(Eduard Manet, 1832~1883)는 인상파의 아버지라는 칭호를 받는 인상파의 거장이다.  우리는 흔히 모네와 너무도 헷갈린다는 얘기를 많이 하는데, 단지 이름이 주는 어감이 우리에게 혼돈을 주는 것뿐이지 그들의 그림을 함께 기억한다면 절대로 헷갈리지 않을 정도로 큰 차이가 있다.  마네는 외교관의 딸이었던 어머니와 법률가인 아버지를 둔 유복한 상류층이었으나, 그가 화단에서 인정을 받기까지는 악평의 스캔들로 그 어떤 화가보다도 우여곡절이 많았던 화가였다.  마네가 말년에 그린 이 “폴리베르제르의 술집”이 살롱에 전시되었던 1882년에 마네는 최고의 영예인 레죵 도뇌르 훈장을 받았으나 이듬해에 죽었으며 그 후에 불멸의 명예를 안게 되었다.  미술사에서 기술적으로나 묘사 방식에서 획기적인 변화를 이룩하여 20세기 회화를 전면적으로 바꿔 리드한 인물로 평가되는 마네의 그림에 여러분들도 도전해 보기 바란다.