르네 마그리트는 초현실주의의 대표적인 화가이다. 그는 친숙한 대상을 생소한 배경에 배치하거나 말과 이미지의 관계에 의문을 제기함으로써 양자의 괴리를 드러내 보는 이들의 현실 감각을 뒤흔드는 작품들로 유명하다. 마그리트는 화가보다 철학자로 불리는 것을 좋아했으며, 헤겔, 베르그송, 하이데거 등의 철학서들을 탐독하고 그 사상을 그림으로 표현했다. “나는 회화를 이용하여 사유를 가시화한다.”라는 말이 그의 작품 세계를 설명하는 가장 적합한 단어가 될 듯하다.

마그리트는 1898년 11월 21일 벨기에 남부 지역의 공업 도시 에노 레신에서 태어났다. 아버지는 양복 재단사이며, 어머니는 모자 상인이었다. 그는 〈팡토마〉 같은 범죄모험영화와 탐정소설, 에드거 앨런 포, 로버트 루이스 스티븐슨 등이 쓴 소설을 매우 좋아하는 평범한 소년이었다. 그러나 14세 때 어머니가 강에 투신자살을 하면서 유년 시절은 끝이 났다. 그는 어머니의 시체를 건져 내는 과정을 모두 지켜보았으며, 어머니의 얼굴을 덮은 드레스 자락의 이미지는 그의 머릿속에 각인되어 평생 영향을 미쳤다(이 이미지가 〈연인〉이라는 작품에 투영된 것이 아니냐는 비평이 있었으나 그는 부인했다).

어머니의 죽음 이후 아버지는 르네와 다른 두 아들을 데리고 샤를루아로 이사했다. 이곳에서 학교를 다니면서 고전을 공부했으며, 18세 때부터 브뤼셀 왕립 미술 아카데미에 입학하여 회화를 공부했다. 이 시기에 그는 인상파와 입체파 양식의 회화를 시도했으며, 그래픽 아트를 배웠다. 졸업한 후에는 포스터와 광고 디자인 등 상업 미술가로 일했는데, 이 무렵까지는 화가가 되겠다는 대단한 열정을 품지는 않은 듯하다.

1922년은 마그리트에게 전환점이 되는 해였다. 그는 어린 시절 소꿉친구였던 마리 조르제트 베르제와 결혼했으며, 그해 시인 마르셀 르콩트가 보여 준 이탈리아 화가 조르조 데 키리코의 〈사랑의 노래〉 복제화에 큰 충격을 받고 화가가 되기로 결심했다. 키리코는 건물 풍경, 버려진 광장, 잘린 고전주의 시대의 조각 등을 기묘하고 음울한 공간에 배치함으로써 초현실주의를 예고하는 작품을 제작한 인물이다. 마그리트는 한동안 광고 디자인으로 생계를 꾸렸으나 1926년 브뤼셀의 라상토르 화랑과 계약하면서 회화 작업에 집중적으로 몰입했다. 그해 그는 60여 점의 작품을 그렸고, 초현실주의적 작품 〈길 잃은 기수〉(1926, 같은 제목으로 1948년에 더욱 정돈해서 그린 그림도 있다)로 주목받게 되었다.

1927년부터 3년간 마그리트는 파리에 머물며 앙드레 브르통, 폴 엘뤼아르 등 초현실주의자들과 깊은 우정을 쌓았으며, 초현실주의 운동에도 가담했다. 초현실주의 그룹은 프로이트의 이론을 근거로 하여 무의식의 세계에 도달하기 위한 기법으로 자동기술법과 데페이즈망(Dépaysement) 기법을 창안했다. 데페이즈망이란 ‘추방’이라는 의미로, 사물을 일상적인 환경에서 추방하고 이질적인 환경에 배치시키는 것이다. 그럼으로써 사물의 원래 의미, 즉 실용적인 성격을 배제하고, 보는 이들의 감각의 심층부에 충격을 준다. 이는 종종 19세기 프랑스 시인 로트레아몽의 〈말도로르의 노래〉 중 ‘해부대 위에서 재봉틀과 우산이 만나듯이 아름다운’이라는 구절로 표현되곤 한다.

마그리트는 1930년 브뤼셀로 돌아와 여생의 대부분을 보냈다. 그러나 파리에서의 3년간은 그의 작품에 큰 영향을 미쳤으며, 이후에도 초현실주의 전시회에 계속 참여했다. 그는 데페이즈망 기법을 활용해 다양한 방식으로 익숙한 대상을 ‘낯설게 보이게 하는’ 충격을 주었고, 그럼으로써 관람객들이 자신이 가지고 있던 고정관념, 상식에 의문을 제기하게 만들었다.

예컨대 대표작 〈이미지의 반역〉에서 그는 우리의 언어 질서에 의문을 제기한다. 이 작품에는 파이프가 하나 그려져 있고 그 아래 ‘이것은 파이프가 아니다’라고 쓰여 있다. 일견 모순되어 보이는 이 글은 언어와 이미지의 실제 관계를 드러내고 있다. 먼저 그림은 사물을 아무리 사실적으로 재현하더라도 사물 그 자체가 아니라 이미지일 뿐이다. 또한 단어 역시 그 단어가 지칭하는 대상의 본질을 내포한 것은 아니며, 다만 대상을 지칭하기 위한 수단에 불과할 뿐이다. 실제 ‘파이프’와 ‘파이프라는 단어’ 사이에는 어떤 연관성도 없음을 환기시키는 것이다.

또한 미술의 환각법을 이용해 실제와 환영에 대한 상호 관계도 탐구했다. 예컨대 〈인간의 조건〉에서는 화면 오른쪽에 바다 풍경을 그린 캔버스가 놓여 있다. 그런데 이 화면 속 그림의 소재가 되는 바다 풍경, 즉 창밖의 바다 풍경은 캔버스 속 풍경과 합쳐져 있는 듯 배치되어 있다. 창문을 통해 외부(바다)와 내부(캔버스 속 바다)의 접점, 경계를 모호하게 함으로써 우리의 인식 체계를 다시 숙고하게 만든다. 〈폭포〉, 〈인간의 조건 2〉, 〈해 지는 저녁〉 등에서도 그는 ‘그림 속의 그림’을 제시하여 우리가 믿고 있는 인식 체계의 불완전함과 그 경계의 모호함에 대해 이야기한다. 특히 말년에 그린 〈백지 위임장〉에서는 현실과 환상의 경계, 혹은 두 차원의 경계가 완전히 혼란스럽게 표현되어 있다. 말을 타는 여인과 그녀가 지나가는 숲의 나무들 중 어느 것이 현실이고 어느 것이 경계인지조차 불분명하다.

“보이는 것은 보이지 않는 것이 될 수 있다. …… 말을 탄 사람은 나무를 가리고 나무는 여자를 가린다. 하지만 우리의 사고 능력은 눈에 보이는 것과 보이지 않는 것을 파악하고 있다.”

르네 마그리트의 작품 〈백지 위임장〉을 사용한 그룹 스틱스의 앨범 〈더 그랜드 일루전〉

〈빛의 제국〉과 같이 언뜻 보기에는 아무 이상이 없어 보이지만 자세히 보면 서로 다른 개념들이 한 공간, 하나의 시간 속에 존재하는 것도 있다. 〈빛의 제국〉은 일견 밤의 풍경으로 보이지만, 그 위의 하늘은 낮의 하늘이다.

“이 풍경은 우리에게 밤에 대해, 낮의 하늘에 대해 생각하게 한다. 내 생각에 낮과 밤의 동시성은 우리의 허를 찌른다.”

마그리트는 우리가 당연하게 여기던 현상, 기존의 상식에 의문을 제기했다. 다른 초현실주의자들이 환상적이고 몽환적인 세계를 표현한 것과 달리, 일상에서 접하는 친근한 사물을 통해 현실 감각을 뒤트는 실험을 한 것이다. 그리고 지극히 사실적인 표현으로 그 효과는 극대화된다.

제2차 세계대전 이후 마그리트는 ‘죽음’이라는 주제에 몰두하게 되었다. 〈투시도－다비드의 마담 레카미에〉처럼 사람이 앉을 자리에 관을 놓는 충격적인 작품을 그리기도 했으며, 마네와 르누아르풍의 작품을 제작하는 실험도 했다. 그러나 1940년대 후반 다시 원래의 양식으로 돌아와 더욱 세심하고 기묘한 장면들을 그려 나갔다.

1960년대에는 미국 순회전을 가졌으며, 1965년 뉴욕 현대미술관에서 그의 회고전이 열리면서 당대 미국의 아방가르드 작가들에게 막대한 영향을 미쳤다. 마그리트는 1967년 8월 15일 로테르담의 보이 망스 미술관에서 회고전이 열리던 가운데, 브뤼셀 자택에서 사망했다.

마그리트의 작품들은 수많은 현대 아티스트에게 영감을 주면서 대중적으로 널리 알려졌다. 팝아트라는 새로운 사조를 창출한 젊은 미국 예술가들은 그에게 열광했고, 1960년대 이후 대중문화의 기수들도 그의 작품에 관심을 보였다. 제프백, 스틱스, 잭슨 브라운 등의 뮤지션들이 그의 작품을 앨범 재킷으로 사용했으며, 영화 제작자들, 미술가, 광고 제작자들도 많은 영감을 얻었다. 그러면서 그의 작품들은 현대인에게 매우 친숙한 이미지가 되었다.

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요약 마그리트는 초현실주의 화가로 작품에는 공포와 위기감, 희극적 요소 및 신비주의적 환상이 어우러져 있다. 
1927년에 첫 개인전을 가졌으나 실패한 후 파리근교로 이사해 그곳에서 여러 초현실주의자들과 교제했다. 1930년 브뤼셀로 돌아온 후에는 여생의 대부분을 그곳에서 보냈다. 1940년대에 인상주의적 요소를 부분적으로 사용하는 등 다양한 양식을 시도했으나 실패했다. 그 후로는 자신만의 고유한 양식으로 비논리적이며 수수께끼 같은 이미지를 그리는 일에 몰두했다. 작품에서 겉으로 보기에는 일상적이고 친숙한 사물을 어울리지 않고 예상하지 못한 배경에 놓거나, 크기를 왜곡시켜 낯섦과 기묘함을 의도했다. 그는 이런 식으로 이미지의 반란을 일으키고 상식에 대해 도전하면서 사물의 본질적인 가치들을 환기시켰다.

르네 마그리트(Rene(-Francois-Ghislain) Magritte)

초현실적인 작품을 많이 남긴 벨기에의 화가이다.

기괴하게 번득이는 그의 환상에는 공포와 위기감, 희극적 요소 및 신비주의가 어우러져 있다. 그는 1927년에 첫 개인전을 가졌는데, 실패한 후 파리근교로 이사했다. 거기에서 그는 시인 앙드레 브르통, 폴 엘뤼아르 등 초현실주의자들과 교제하며 막스 에른스트의 콜라주도 접하게 되었다. 1930년 브뤼셀로 돌아온 후에는 여생의 대부분을 그곳에서 지냈다. 그는 1940년대에 인상주의적 요소를 부분적으로 사용하는 등 다양한 양식을 시도했으나 실패했다. 그후로는 그만의 고유한 양식으로 비논리적이며 수수께끼 같은 이미지를 그리는 일에 몰두했다. 생애의 마지막 해에는 그의 그림에서 따온 이미지를 토대로 8개의 청동조각을 만드는 일을 감독했다.

그의 그림에는 어린시절부터 그가 열중했던 바다와 넓은 하늘이 강렬하게 묘사되어 있다. 〈위협적인 날씨 Threatening Weather〉(1928, 영국 런던 펜로즈 컬렉션 소장)에서는 구름이 흉상과 깔때기 모양의 금관악기 및 의자 모양으로 나타난다. 〈피레네 산맥의 성 The Castle of the Pyrenees〉(1959)에는 거대한 바위 위에 작은 성이 서 있고, 그 바위가 바다를 떠다니는 모습이 그려져 있다. 그밖의 환상적 표현으로는 인간의 다리를 가진 물고기, 몸통이 새장으로 되어 있는 인간, 애완용 사자 옆에서 벽 위로 몸을 기대고 있는 신사 등이 있다. 〈골콘다 Golconda〉(1953, 미국 텍사스 휴스턴 D. J. 드 메닐 소장)에서는 집들이 줄지어 서 있는 거리를 향해 사람들이 빗방울처럼 떨어지는 모습이 그려져 있다.

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출생	1898년 11월 21일, 벨기에 레신
사망	1967년 8월 15일, 브뤼셀
국적	벨기에

요약 비논리적이며 신비주의적 화풍의 20세기 벨기에 초현실주의 화가로 주요 작품은 <이미지의 배반>. 벨기에에서 태어났으며 어린 시절부터 바다와 넓은 하늘을 묘사한 그림을 그리기 시작했다. 파리에서 초현실주의 예술가들과 교류하며 작품생활을 시작, 강렬한 이미지와 상식을 파괴하는 연출 등으로 주목 받았으며, 공포와 위기감마저 불러일으키는 환상적인 화풍으로 세간을 놀라게 했다. 생의 마지막에는 자신의 그림에서 따온 이미지를 토대로 청동조각을 만드는 일을 감독했다.

 

마그리트(René(-François-Ghislain) Magritte)

초현실적인 작품을 많이 남긴 벨기에의 화가이다.

기괴하게 번득이는 그의 환상에는 공포와 위기감, 희극적 요소 및 신비주의가 어우러져 있다. 브뤼셀 미술 아카데미(1916~18)에서 공부한 뒤, 벽지공장의 디자이너로 일하다가 광고를 위한 스케치를 그리게 되었고 1926년 브뤼셀의 한 화랑의 지원을 얻어 그림에만 전념할 수 있게 되었다.

그가 초현실주의에 몰두하기 시작한 것은 그 직후였다. 그는 1927년에 첫 개인전을 가졌는데, 당시의 비평가들에게는 그의 작품이 좋게 받아들여지지 않았다. 같은 해 그는 아내와 함께 파리근교로 이사했다. 거기에서 그는 시인 앙드레 브르통, 폴 엘뤼아르를 포함한 초현실주의자들과 알게 되어 가까이 지냈으며 막스 에른스트의 콜라주도 접하게 되었다. 1930년 브뤼셀로 돌아온 후에는 여생의 대부분을 그곳에서 지냈다.

그는 1940년대에 인상주의적 요소를 부분적으로 사용하는 등 다양한 양식을 시도했다. 그러나 이 시기의 작품들은 그다지 훌륭하지 못했고 그는 차츰 이러한 실험을 그만두었다. 그후로는 그만의 고유한 양식으로 비논리적이며 수수께끼 같은 이미지를 그리는 일에 몰두했다. 생애의 마지막 해에는 그의 그림에서 따온 이미지를 토대로 8개의 청동조각을 만드는 일을 감독했다.

그의 그림에는 어린시절부터 그가 열중했던 바다와 넓은 하늘이 강렬하게 묘사되어 있다. 〈위협적인 날씨 Threatening Weather〉(1928, 영국 런던 펜로즈 컬렉션 소장)에서는 구름이 흉상과 깔때기 모양의 금관악기 및 의자 모양으로 나타난다. 〈피레네 산맥의 성 The Castle of the Pyrenees〉(1959)에는 거대한 바위 위에 작은 성이 서 있고, 그 바위가 바다를 떠다니는 모습이 그려져 있다. 그밖의 환상적 표현으로는 인간의 다리를 가진 물고기, 몸통이 새장으로 되어 있는 인간, 애완용 사자 옆에서 벽 위로 몸을 기대고 있는 신사 등이 있다.

〈골콘다 Golconda(겨울비)〉(1953, 미국 텍사스 휴스턴 D.  J. 드 메닐 소장)에서는 집들이 줄지어 서 있는 거리를 향해 사람들이 빗방울처럼 떨어지는 모습이 그려져 있다.

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상식적인 고정관념을 깨부수다... ㅡ초현실주의 작가 르네 마그리트        <겨울비>라는 작품. 르네 마그리트의 작품을 처음 봤을 때 느꼈던 기분은 “기이하다” 였습니다. 훗날 하나의 미술 사조로 접한 르네 마그리트의 그림에서 그 기이한 수수께끼가 풀리기까지는 적지 않은 시간이 들었음을 고백합니다. 기이함의 근원은 바로 르네 마그리트가 자주 사용했던 데페이즈망(Dépaysement)이라는 표현 기법 때문이었습니다. 데페이즈망은 추방하는 것이라는 뜻으로 초현실주의에서 자주 쓰이는 표현 기법입니다. 조금 더 정확히 이야기 하자면 <특정한 대상을 상식의 맥락에서 떼어내 이질적인 상황에 배치함으로써 기이하고 낯선 장면을 연출해 보는 이로 하여금 신선한 충격을 주는 것>입니다. 르네 마그리트의 그림들중 꽤 많은 작품은 데페이즈망으로 해석이 됩니다. 그럼 데페이즈망과 관련 깊은 그림들 위주로 우선 살펴보겠습니다.   위의 그림은 1928년에 제작된 <연인들>이라는 작품입니다. 1921년에 르네 마그리트의 어머니는 강에 몸을 던져 자살했는데 어린 그는 어머니의 시체를 건져내는 과정을 모두 지켜보았다고 합니다. 입고 있던 드레스가 얼굴에 덮인 채 건져진 어머니의 이미지는 내면에 깊은 충격으로 자리 잡았을 것입니다. 그 사건은 후에 그의 그림에 많은 영향을 남깁니다. 위의 <연인들>은 그 영향을 받은 대표적인 작품입니다.   <개인적 가치>라는 작품입니다. 전형적인 데페이즈망의 표현 기법이며 사물의 크기를 기존의 우리가 알고 있던 상식보다 키워 묘한 느낌을 연출했습니다.   르네 마그리트의 그림 속에는 다양한 모양의 <공>이 등장합니다. 마그리트는 “말 방울”에서 공의 모티브를 따왔다고 합니다. 그 당시 20세기 유일한 교통수단이었던 말의 목에는 방울이 달려있었는데, 방울은 그러한 과거의 소리를 회상하는 매개체의 역할로 그의 작품에서 종종 등장하곤 합니다.   위의 그림은 <데칼코마니>라는 작품입니다. 르네 마그리트의 그림에서 자주 등장하는 양복 입은 신사는 마그리트의 가족사와 관계있습니다. 르네 마그리트는 사실 양복 재단사와 모자 상인 사이에서 태어난 장남입니다. 그러므로 그의 그림에서 등장하는 양복 입은 신사는 르네 마그리트 본인의 자화상이라고 할 수 있습니다.   르네 마그리트가 즐겨 사용한 표현기법인 데페이즈망으로 해석이 안 되는 그림이 있습니다. 바로 위의 < 이미지의 배반 : 이것은 파이프가 아니다 >이라는 작품입니다. 그림을 보면 백과사전에나 나올법한 딱딱한 기법으로 파이프가 하나 그려져 있고 바로 밑에는 “이것은 파이프가 아니다”라는 문구가 필기체로 쓰여 있습니다. 이 그림을 통해, 르네 마그리트는 미술가가 대상을 매우 사실적으로 묘사한다 하더라도 그것은 대상의 재현일 뿐, 그 자체일 수는 없다는 결론을 내립니다. 르네 마그리트는 또한, 사물이 이름을 가진다고 해서 우리가 그보다 더 적합한 이름을 찾을 수 없는 것은 아니라고 선언합니다.   내가 그의 이름을 불러 주기 전에는 그는 다만 하나의 몸짓에 지나지 않았다 내가 그의 이름을 불러 주었을 때 그는 나에게로 와서 꽃이 되었다 내가 그의 이름을 불러 준 것처럼 나의 이 빛깔과 향기에 알맞은 누가 나의 이름을 불러다오 그에게로 가서 나도 그의 꽃이 되고 싶다 우리들은 모두 무엇이 되고 싶다 너는 나에게 나는 너에게 잊혀지지 않는 하나의 눈짓이 되고 싶다 위의 시는 김춘수의 유명한 <꽃>이라는 시입니다. 꽃에 나오는 시의 내용 중 “내가 그의 이름을 불러 주기 전에는 그는 다만 하나의 몸짓에 지나지 않았다”라는 부분이 있습니다. 꽃이라는 하나의 이름 즉 기표(Signifiant)가 있습니다. 만약 시 속의 화자가 꽃이라고 명명하지 않았다면 그 것은 오래도록 그저 익명의 존재로만 남겨지게 됩니다. 하지만 우리가 꽃이라고 부르는 소리 즉 기표(외적 형식)는, 사회적 합의와 필요에 의해 만들어진 것일 뿐 꽃이라는 존재가 담지하고 있는 내적인 의미(기의)와는 관계성이 떨어집니다. 즉 기표(외적 형식)와 기의(의미) 사이에는 끊어지기 쉬운 자의적 연결고리가 존재합니다. 즉, 우리가 일상생활에서 보고 느끼는 수많은 기호 체계들은 이러한 자의적 연결관계 아래에서 존재한다는 것입니다. ( 언어철학자 페르디낭 드 소쉬르는 기호의 탄생을 기표(Significant)와 기의(Signified)의 자의적 결합이라고 정의 내렸습니다. 그는 더 나아가 이러한 자의적 관계에서 벗어나 기표와 기의가 서로 충분히 반영하는 유기적인 관계에 놓인 상태를 상징이라고 규정짓습니다. ) 이러한 자의적 연결성에 대한 여러가지 근거 중 일상에서 쉽게 찾을 수 있는 것들은 번역에 관한 것입니다. 가령 우리나라의 “알쏭달쏭”이라는 말을 영어로 번역한다고 생각해 봅시다. “intricate”나 “motley”정도로 번역할 수 있겠지만 우리나라에서 생겨난 “알송달쏭”이라는 말 속에 담긴 기의(의미)를 한 스푼도 흘리지 않고 모두 옮겨 담기란 사실상 불가능에 가깝습니다.     위의 기호학적 관점에서 드러나듯, 르네 마그리트는 “보는 것이 믿는 것”인 세상에 대한 반론을 제기 합니다. 다시 한번 위의 파이프 그림을 봅시다. 가까이서 보니 픽셀로 이루어진 망점들도 보이는것 같습니다. 지금 우리가 보는 것이 정말 파이프가 맞나요? 이렇듯 르네 마그리트의 그림은 먼저 우리의 상식적인 고정관념을 깨부수는 것에서 시작합니다. 그는 평소 우리에게 익숙해져 있는 사물과 관습화된 사고에 이의를 제기하고 뜻하지 않은 충돌을 작품 속에 펼쳐 놓습니다. 그의 작품을 감상하는 일은 신선한 경험이며, 그의 작품에서 만나게 되는 낯섦과 수수께끼와 같은 의문은 보는 우리들의 생각을 자유롭게 풀어줍니다.   – 가치디자인그룹 SY Kim

 

미술을 아예 모르는 사람도 마그리트란 이름을 들어보거나 작품 한두개 정도는 봤을거야

 

주로 낯선 배경에 친숙한 물건들을 기괴하게 배치해놓은 그림들이 주를 이뤄

 

서로의 이미지를 애매한 관계에 두며 그 사이의 괴리감을 이끌어내주고있어

 

 

 

바로 이그림! 피레네의 성에서 영감을 받아....

 

 

 

하울의 움직이는 성이 나오게됐어

 

 

 

이렇듯 마그리트의 작품들은 세계 유명한 작가,감독,뮤지션같은 사람들에게 영감을주거나 하는 경우가 많아

 

그 유명한 빛의 제국이라는 그림도 영화 엑소시스트의 모티브가 됐다능

 

 

르네 마그리트는 양복재단사인 아버지와 모자상인인 어머니 사이에서 장남으로 태어나.

 

그래서그런지 그의 그림에서는 양복,중절모가 끊임없이 등장함 한번 볼까?

 

 

 

 

 

마그리트는 역설의 의미를 정말 효과적으로 이용하는 화가중 하나로 평가받고있어

 

절대 어울릴수없는 두사람을 예로 들자면

 

중절모의 신사는 '가을' 로 걸어들어가고있지만

 

독자를 응시하고있는 저 여자는 봄의 여신이거든. 양립할 수 없는 존재인거지

 

 

 

 

 

'

 

 

 

 

 

 

유명한 그림이 또하나 나왔네 ! 이작품의 이름은 골콩드

 

다들 미술책이나 패러디 등등 어디서든 한번 본 기억이 있겠지?

 

똑같은 의상에 똑같은 포즈를 취하고 있는 개성 없는 인간들이

 

 

허공에 불안정하게 붙잡혀 있어 

실제 저 패션을 즐겨입던 마그리트 자신을 응축시켰다 라는 이야기도 있다능

 

이 그림에서 우리는 '데페이즈망' 이라는걸 알수있는데..

 

 

 

데페이즈망이란?

 

 초현실주의에서 쓰이는 말로, ‘추방하는 것’이란 뜻.

일상적인 관계에서 사물을 추방하여 이상한 관계에 두는 것을 뜻함.

 있어서는 안 될 곳에 물건이 있는 표현을 의미한다.

 그 결과 합리적인 의식을 초월한 세계가 전개된다.

시인인 로트레아몽의 

‘여신과 우산이 해부대 위에서 우연히 만난 것처럼 아름답다’

라는 유명한 어구가 그 전형이다.

 

 

 

 

 

 

 

 

또 나왔지! 마그리트의 잘 알려진 그림들중 하나 [연인들]

 

사실 마그리트의 유년시절엔 어머니의 비극적인 죽음이 크게 자리하고 있어

 

1912년 마그리트의 어머니인 아들린이  샹르브 강에 몸을 던져 자살했는데,

 

 어린 마그리트는 어머니의 시체를 강에서 건져내는 과정을 모두 지켜보았다.

그리고 드레스 자락이 얼굴에 덮여진 채 건져지는 그 모습을 본거야.

그 이미지가 각인이되어서 작품제작에 많은 영향을 끼친 것 같지만

그는 그 이야기를 터무니없는 낭설이라고 일축해버렸다능

 

 

 

 

유명한 빛의 제국. 우리나라에서도 영화포스터로 활용된적이 있지? 검은집이라는 작품. 검은집 감독이 마그리트의 열성적인 팬인가봐 다른 포스터에서도 마그리트의 작품이 쓰였더라고

 

언뜻보면 오 풍경인가? 하지만 자세히봐봐

 

이것도 말도안돼는 마그리트 특유의 역설을 담고있거든

 

태양이 빛나는 시간에 야경이라니 말도안되는 것들이 공존하고있지?

 

낮과 밤의 공존은

놀랍고도 매력적이다

 

 

 

나는 이와같은 힘을

시적(poetry)이라고 말하고 싶다 

 

 

 

 

 

 

 

                                          - 르네 마그리트 -

 

 

[청취실 Listening room] 익숙한 공간에 익숙한 물건인데도 기이한 느낌이들어.

 

왜냐면 우리에게 익숙한 물건인 사과의 크기도 우리에게 익숙한 크기가 있잖아

 

하지만 여기선 과감하게 확대시켜버리면서 익숙함을 깨버리고 우리에게 불안감을 심어주고있어!

 

사실 난 이 작품의 타이틀이 왜 청취실인가..생각을 해봤는데 이곳에 등장하는 사과는 유리창을 통해 흘러나오는

 

빛을 받고있어. 사과가 빛의 소리를 청취하고있는 것처럼 느껴지고있어 나는...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

무생물일뿐인 조각상에 생명을 상징하는 피를 그려넣어 생명을 불어넣음

 

 

 

 

 

"나는 실제로 테이블을 그리는 것이 아니라 그것이 내게 불러일으키는 감정을 그린다."

-르네 마그리트-

 

 

 

 

초현실주의, 또다른 차원을 열다

 

 

 

 

사람들이 물건을 사용할 때는 그 물건 속에서 상징적 의도를 찾지 않지만,

그림을 볼 때는 그 용도를 찾을 수 없고 회화를 접하면서 무슨 생각을 해야 할지 모르기 때문에

곤경에서 벗어나기 위해 의미를 찾게 된다.

 

 

 

 

 

초현실주의는 우리 꿈의 욕망,욕구의 자유를 현실에서도 요구하고있어

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

마그리트는 파이프를 그린 이 그림 밑에 사족을달아.

 

이 프랑스어는 '이것은 파이프가 아니라'라는 뜻이야.

언뜻보면 말도안되지? 파이프를 보고 파이프가 아니라고하는건 무슨 모순이지?

하지만 잘 생각해보면 저건 맞는말이야. 

  이 그림은 파이프가 아냐. 파이프의 이미지에 불과할 뿐임. 이를 통해 마그리트가 말하고자 한 것은, 미술가가 대상을 매우 사실적으로 묘사한다 하더라도 그것은 그 대상의 재현일 뿐이지, 그 대상 자체일 수는 없다는 의미.

 

 

 

 

우리의 눈은 두가지 기능을 가지고있어. 단순한 거울의 기능과, 사물을 보고 해석하는 능력. 하지만 이 그림 [잘못된 거울]에서는 눈을 단순히 거울기능의 수동적인 눈으로만 사용하고있지?

그냥 보고있는 하늘이 그대로 비치는.

자신의 그림을 역생각하지않고 그냥 있는그대로 바라보고 말아버리는

관람자들을 비꼬는 것이라는 해설도 있음.

 

 

마그리트는 주변에서 흔히 볼 수 있는 사물들을

익숙한 환경에서 떼어내 엉뚱한 곳에 갖다놓고, 크기를 재조합하는것만으로도

 

사물을 낯설게 하여

우리에게 익숙했던 사물의 잊혀진 존재감을 다시 깨워주고있어

 

 

 

 

"대상은 그 이름이나 이미지가 갖는 똑같은 기능을 결코 완성하지 못한다. 이 때문에 현실마저 그 단어가 지칭하는 대상이 바뀔 수 있다."

-르네 마그리트-